Zwölf Jahre nach dem letzten animierten Abenteuer der beiden Comic-Gallier Asterix und Obelix erschien 2006 das schlagkräftige Duo wieder auf der Leinwand, um dem geneigten Zuschauer Hoffnung auf neue Zaubertrank-Abenteuer zu machen. Mit bissigeren Dialogen und manch anderer “Modernisierung” soll ein neues Publikum erschlossen und in der “Asterix”-Generation Nostalgie hervorgerufen werden.

Wer sich jedoch den üblichen Charme der Asterix-Animationen erhofft, wird schwer enttäuscht - “Asterix und die Wikinger” präsentiert sich witzlos und ist vergeblich darum bemüht, sich an das vermeintliche Zielpublikum anzubiedern. Die Bewohner des gallischen Dorfes verkommen zu stupiden, streitsuchenden Schlägern mit Zerstörungswut, während Asterix und Obelix sich zanken wie ein entnervtes Elternpaar kurz vor der Scheidung. Dagegen stellt Grautvornix den hochnäsigen, stark pubertierenden Sohn mit innerlichen Selbstzweifeln dar, der sich insgeheim nur ein bisschen Liebe wünscht. Seine Begegnung mit Abba, einer Pseudo-Wikinger-Mädchenemanze mündet dann auch, wie könnte es anders sein, in eine seichte Lovestory, aus der er schließlich als Held hervorgeht - was Asterix und Obelix, die einstigen Idole, zu banalen, überflüssigen Nebendarstellern degradiert, die zum Höhepunkt des Filmes wortwörtlich zu spät kommen.

Technisch gesehen setzt der Film zu sehr auf (Computer-)Effekte aus der Retorte statt, wie in den vorangegangenden Adaptionen auf die Qualität der einzelnen Bilder und Szenen. Die verwendete Musik soll modern wirken, ist jedoch leider für Fan-Ohren unzumutbar und lässt den Film zu einer Farce verkommen. Wortwitz? Fehlanzeige - nicht mal mit gutem Willen kann der Zuschauer sich ein müdes Lächeln abverlangen (Beispiel: Grautvornix´ Taube SMSix). Auch die Synchronstimmen sind mehr als gewöhnungsbedürftig - scheint Nora Tschirner als Abba noch halbwegs erträglich, so ist Mike Müller als Obelix eine absolute Fehlbesetzung. Müller synchronisiert den liebenswert-dümmlichen und trägen Obelix zu einer agilen, aber unsympathischen Marionette um. Verlieh Wolfgang Hess noch in “Asterix bei den Briten” Obelix seine Stimme, hört man hier die Stimme des besten Freundes von Asterix plötzlich aus dem Munde des Wikingeroberhauptes.

Alles in allem fehlen dieser neuesten Asterix-Animation die zündenden Ideen, und der vergebliche Versuch, modern zu wirken, zieht den Film ins Lächerliche. Platt wie ein 08/15-Disney-Film, hinterlässt dieser Streifen den faden Beigeschmack einer Schuhsohle und sollte von jedem gemieden werden, der sich die Freude an den Abenteuern von Asterix erhalten möchte.
Einziger Pluspunkt: mit den Wikingern erscheinen erstmals Kontrahenten, die durch ihre Standfestigkeit wirklich Spaß bereiten - und ein bisschen für den ansonsten nicht wirklich sehenswerten Film entschädigen.

Bewertung 2/10

Originaltitel	… Astérix et les Vikings
Land, Jahr, Laufzeit	… Dänemark/Frankreich, 2006, 79min
deutscher Kinostart	… 15.05.2006
Regisseur	… Stefan Fjeldmark
Drehbuch	… René Goscinny, Albert Uderzo (Vorlage)

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Man bekommt tatsächlich im 21. Jahrhundert einen Bergsteigerfilm vorgesetzt?
Und dann noch einen deutschen, der im dritten Reich spielt?

Nein. Leni Riefenstahl ist nicht wieder auferstanden (oder vielleicht doch).
Regie führt Philipp Stölzl, der nach einem Kurzfilm und seinem Filmdebut “Baby” weit ausholt und seinen zweiten Spielfilm inszeniert.

Es ist (immer noch) ein Wagnis, in der heutigen Zeit einen solchen Film zu drehen.
Die großen Hollywoodstudios setzen auf “einfache” Filme, die gut Kasse bringen:
Special Effects, viel Action/Blut, stringente Handlung. Das lockt die Zuschauer.

Der deutsche Film hingegen muss sich mit weniger Budget begnügen, besitzt aber durchaus das Potenzial, sich mit den Produktionen der anderen Seite des großen Teiches zu messen. Zwar auf eine filmtechnisch andere Art, aber vielleicht ist genau das die Stärke:
Minimalismus, der in Einfallsreichtum und Kreativität aufgeht.

“Nordwand” reiht sich in die rar gesäten (guten) Bergsteigerfilme wie “Vertical Limit”, “Cliffhanger”, “Im Auftrag des Drachen”, “Sieben Jahre in Tibet”, “K2″ und (vielleicht noch um einen Klassiker zu nennen) “Der Berg ruft!” ein. Aber was dem Genre schon immer anlastete war die Story.
Denn was soll man großartig Neues erfinden? Im Blickpunkt steht fast immer die Bezwingung eines Berges. Drumherum findet entweder eine Rahmenhandlung statt, die den Focus auf die Eroberung lenkt, oder ablenkt und eine andere Geschichte erzählt.

Christoph Silber, Philipp Stölzl, Rupert Henning, Johannes Naber und Benedikt Roeskau schrieben das Drehbuch gemeinsam und entwarfen ein stimmiges Bild. Im Vordergrund steht der heroische Kampf zwischen Mensch und Natur - archetypisch für das Genre.
Weitere relevante Handlungsversatzstücke sind die politischen sowie gesellschaftlichen Auseinandersetzungen zu jener Zeit, sowie eine fiktive Liebesgeschichte zwischen Toni Kurz (Benno Fürmann) und Luise Fellner (Johanna Wokalek), die jedoch nur Mittel zum Zweck ist.

Objektiv betrachtet unterscheidet sich “Nordwand” rein von der Rahmenhandlung nicht sonderlich von anderen Bergsteigerfilmen.
Gleichzeitig spaltet er sich aber von der Machart und der Hintergrundgeschichte um dem Bergsteiger Toni Kurz und seinem Freund Andreas Hinterstoisser ab.

Beim durchlesen des Inhalts entsteht leicht der Eindruck, dass dies mal wieder ein deutscher Film ist, der mit großem Fingerzeig auf die Geschichte hindeutet. Nicht, dass es nicht wichtig wäre, gerade uns Deutsche daran zu erinnern, wer wir sind, was wir getan und welche Lehren wir daraus zu ziehen haben. Aber bitte nicht in jedem Film. Das Bewusstsein über unsere Vergangenheit sollte heute ausreichend vorhanden sein.

Erfreulicherweise begeht Stölzl diesen Fehler nicht. Zwar werden hier und da Andeutungen gemacht, nichtsdestoweniger richtet sich das Hauptaugenmerk auf die Eiger Nordwand, die Vorbereitungen, diese als erste zu bezwingen, sowie schlussendlich die Grenzerfahrung machen zu müssen, im Anblick des Todes die Fassung zu verlieren oder den Verstand einzuschalten und die richtige Entscheidung zu treffen.

Spektakulär, eindrucksvoll und durchaus angelehnt an die Filmsprache von Leni Riefenstahl vereinen Stölzl und Kameramann Kolja Brand Landschaft, Personen und das schier aussichtlose Bemühen voranzukommen zu einem spannungsgeladenen Akt, der in den letzten Jahren im deutschen Kino definitiv gefehlt zu haben scheint.

Was dem Film weiterhin interessant macht, sind die Schauspieler:
Benno Fürmann (bekannt aus “Anatomie”, “Die Bubi Scholz Story” und “Wolfsburg”) reißt den Film regelrecht an sich und man nimmt ihm den rauen, wortkargen Bergsteiger, der wenig von Politik hält und einfach sein Leben leben will, ab. Florian Lukas (”Good Bye Lenin!”, “Kammerflimmern”) als sein Kompagnon ist genau der Richtige. In Augenblicken, in denen Fürmann eine Pause braucht, springt Lukas in die Bresche und nimmt dessen Part ein. Nicht von hoher Schauspielkunst gekrönt, aber durchaus ansprechend.
Als dritte im Bunde ist Johanna Wokalek (”Hierankl”, “Aimée & Jaguar”, “Der Baader Meinhof Komplex”) zu nennen, die durch ihre manchmal aufwühlende, dann auch wieder sensibel herzergreifende Schauspielerei das Gespann komplettiert.
Um die Riege zu vervollständigen muss Ulrich Tukur (”Das Leben der Anderen”, “Bonhoeffer”, “Solaris”) erwähnt werden, der wie immer eine gute Figur abgibt. Zwar bleiben die Leistungen etwas hinter den Erwartungen zurück, aber das lässt sich verschmerzen.

Fazit:

“Nordwand” ist ein fesselnder Film in großartigen, majestätisch anmutendenden Bildern. Er erzählt von Hingabe, Aufopferung, Mut und Liebe, ohne aber ins kitschige Bergidyll abzugleiten. Ein Bergsteigerfilm, der sich nicht zu verstecken braucht. Philipp Stölzl hat einen eindrucksvollen Genrefilm geschaffen, der bis dato, zumindest im deutschsprachigen Raum, seinesgleichen sucht.

Bewertung 9/10

Originaltitel	… Nordwand
Land, Jahr, Laufzeit	… D/Aut/Sui, 2008, 121min
deutscher Kinostart	… 23.08.2008
Regisseur	… Philipp Stölzl
Drehbuch	… Benedikt Röskau, Rupert Henning, Christoph Silber, Johannes Naber, Philipp Stölzl
Darsteller	Benno Fürmann - Toni Kurz Florian Lukas - Andreas Hinterstoisser Johanna Wokalek - Luise Fellner Ulrich Tukur - Henry Arau Georg Friedrich - Edi Rainer Simon Schwarz - Willy Angerer Erwin Steinhauer - Emil Landauer

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Mitte der 80iger veröffentlichte Clive Barker “Die Bücher des Blutes”.
Sechs an der Zahl und jeweils mit fünf bis sechs Geschichten bestückt, erregten sie damals großes Aufsehen.
Stephen King urteilte über Barker: “Ich habe die Zukunft des Horrors gesehen, ihr Name ist Clive Barker.”

Und wahrlich haben es die Geschichten in sich: Nicht nur was den Härtegrad angeht, sondern auch die erzählerische Wucht, die metaphernreichen Anspielungen, die knackige ungezwungene Sprache und nicht zuletzt die Plots, die so erschreckend gesponnen sind, dass es einem manchesmal den Atem verschlägt.
Kein Wunder, dass die Reihe bereits Verfilmungen nach sich zog: “Candymans Fluch” und “Lord of Illusions” wären da zu nennen.

Aber kommen wir auf die Kurzgeschichte, welche die Grundlage des Films darstellt: Der Mitternachts-Fleischzug.

Ein Serienkiller geht um, und Kaufman (so der Protagonist der Kurzgeschichte), findet sich bald in New Yorks U-Bahn wieder, die nicht recht das ist, was man unter einer “normalen” U-Bahn versteht.

Eigentlich gibt die Geschichte gar nicht so viel her, aber man hätte daraus durchaus einen schlechteren Film machen können (um ein vorläufiges Fazit zu ziehen).

Wenn man sich die ganzen Splatterfilmchen so anguckt, ob es nun Remakes, Sequels oder Prequels von bekannten Horrorfilmen aus den 70iger und 80igern sind, oder neuere Ideen, die aber verkorkst und unausgreift sind, dann kommt Ryûhei Kitamura’s Midnight Meat Train frisch (und ausgereift) daher und ist eine willkommende Abwechslung zu dem Einheitsbrei der niveaulosen, am Fließband hergestellten Teenieslasherfilme.

Schon die erste Szene soll zeigen, in welchen Bahnen sich der Film bewegt. Man wird Zeuge eines Schlachters, der Menschen in der U-Bahn wie Vieh behandelt. Kompromisslos und ohne Reue. Was jetzt klingt wie eine stupide Studie über einen 08/15 Serienkiller(film), ist viel mehr als das.
Ein zentrales Thema des Films ist die Gewalt. Dennoch wird kein Anspruch erhoben, dieser einen Sinn zu verleihen; es ist vielmehr die Zurschaustellung dessen, was sie ausmacht, obgleich die Opfer (leider) einem Zweck dienen, der jetzt nicht weiter beleuchtet werden muss.

Nicht radikal, aber entschlossen wird der Zuschauer im Laufe des Films an die Personen herangeführt:

Auf der einen Seite ein Fotograf (Bradley Cooper), der glücklich mit seiner Freundin (Leslie Bibb) lebt und angespornt von einer Kunstmäzene (Brooke Shields) die düsteren Seiten New Yorks einfangen will. Auf der anderen Seite ein Fleischer (Vinnie Jones): Mordend, allein und still in der U-Bahn unterwegs, ausgestattet mit allerlei zweckdienlichem Werkzeug.

Langsam, aber ohne in Stillstand zu geraten, führt Kitamura diese zwei Welten zusammen. Der Fotograf taucht in die düstere und gewalttätige Welt des Schlächters ein und verfällt letztendlich dieser. Dabei ergeben sich zwangsläufig genretypische Verhaltensmuster, wie die Entfremdung einer sich nahestehenden Person (in diesen Fall der Freundin) oder zunehmender Realitätsverlust und Wahnvorstellungen. Natürlich wird einem schnell klar, welches Schicksal den Fotografen ereilt, aber das ist nicht weiter schlimm. Zum einen ist man es gewohnt und zum anderen muss man ja zu einem Ende kommen. Und auch hier hätte man es durchaus schlechter gestalten können.

Zu den Schauspielleistungen ist zu sagen, dass sie sich im Durchschnitt bewegen, einer jedoch herausragt. Großen Anteil daran, dass der Film so gut funktioniert, hat wohl Vinni Jones als Fleischer. Nicht, dass er schon von vorneherein eine imposante Erscheinung wäre, aber gerade in diesem Film zeigt er besonders seine harten, emotionslosen und kaltblütigen Seiten. Und man muss es so sagen, neben ihn verblassen alle anderen.

Desweiteren kann man dem Film gute Goreffekte bescheinigen, was das Herz eines jeden Gorefans wohl höher schlagen lässt. Leider sind diese aus dem Computer und so wirkt alles sehr gekünstelt. Das ist schade, denn ein roher Film verdient meines Erachtens auch rohe Effekte und diese sind hier nicht nur nicht gegeben, sondern erwecken auch den Eindruck, dass sie nicht ernst genommen werden sollen. Das rüttelt zwar am Grundkonzept des Films, zerstört ihn aber nicht vollends.

Was sehr gut geworden ist und womit sich wohl jeder anfreunden kann und wird, ist die Atmospähre. U-Bahn Stationen und Züge nach Mitternacht haben schon von Haus aus einen gruseligen Flair. Wird das alles auch noch gut in Szene gesetzt, ausgeleuchtet und mit düsteren Klängen untermalt, dann kann man sich dem Sog eines solchen Ortes nur noch schwer entziehen.

Trotz der deplatzierten Computereffekte (CGI) fällt die Kameraarbeit positiv auf. Die wahnwitzigen Fahrten, Schwenks und Zooms machen einfach nur Spaß und lassen Einblicke zu, die man sonst so nicht zu sehen bekommt.

Die größte Sorge des Regisseurs wird wohl gewesen sein, den Spagat zwischen dem Charme der Kurzgeschichte und den zur Verfügung stehenden filmischen Mitteln atmosphärisch umzusetzen. Letztendlich kommt man zu dem Schluss, dass Kitamura kein Meisterwerk fabriziert hat, trotzdem aber den Anspruch erheben kann, einen ordentlichen, stimmigen und effektvollen Genrefilm abgeleistet zu haben.

Bewertung 8/10

Originaltitel	… The Midnight Meat Train
Land, Jahr, Laufzeit	… USA, 2008, 103min (unrated)
d. Kinostart	… 14.08.2008 (Fantasy Filmfest)
Regisseur	… Ryûhei Kitamura
Drehbuch	… Jeff Buhler, Clive Barker (Vorlage)
Darsteller	Bradley Cooper - Leon Leslie Bibb - Maya Jones Brooke Shields - Susan Hoff Vinnie Jones - Mahogany Roger Bart - Jurgis Tompkins Barbara Eve Harris - Det. Lynn Hadley

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Wieder eine Geschichte wo es um Dimensionen geht. Aber diesmal anders geartet.

Die anfängliche Geschichte die erzählt wird, ist wenig spektakulär aber vermittelt worum es geht. Dann findet ein Wechsel statt und der Zuschauer muss erstmal realisieren worum es geht. Und die aufgesetzten Dialoge und ziemlich unrealistischen Schießereien machen auf einmal Sinn, wenn man weiß, dass das alles nur aus der Feder eines Schriftstellers kommt.

Eigentlich ein guter Start für eine kurze Verfilmungsdauer. Eigentlich. Alles wirkt nämlich sehr behäbig und in gewisser Weise langatmig. Auch wenn hier und da komische Einlagen anzutreffen sind -wenn zum Beispiel der Schriftsteller mit dem Notebook die Geschehnisse bestimmt- werden diese doch gleich wieder von den dramenhaften Stücke um den Tod eines Kindes abgemagert.

(Das Ende ist zwar überraschend, birgt vielleicht paradoxe Interpretationen ist trotzdem nachzuvollziehen, und das auf einmal Personen die vorher in den 30igern anzutreffen waren, in der Zukunft spielen ist auch erklärlich.)

Auch überzeugt mich William H. Macy in dieser Doppelrolle nicht wirklich. Auf ihm lastet zwar die ganze Geschichte und er schlüpft auch deutlich anzusehen in die verschieden Rollen, jedoch fehlt irgendwie der Schwung in der Geschichte und die sehr subjektiven Spielereien -auch wenn hier und da durch Nebenrollen Abwechslung gegeben ist- der Hauptperson(en), die man zwar unterscheidet, jedoch immer das gleiche Gesicht vor einem hat, sind wenig unterhaltend.

Muss man nun einen Vergleich anstellen, zwischen “Crouch End” und “Umney’s Last Case” dann finde ich doch Crouch End wesentlich interessanter. Wie gesagt fehlt es an Schwung und Überzeugung den Zuschauer anzuregen diesen Film als gut zu erachten.

Bewertung 4/10

Originaltitel	… Umney’s Last Case
Land, Jahr, Laufzeit	… USA, 2006, 45min
d. Erstausstrahlung	… 04.08.2008 (Premiere)
Regisseur	… Rob Bowman
Drehbuch	… April Smith, Stephen King (Vorlage)
Darsteller	William H. Macy - Clyde Umney/Sam Landry Jacqueline McKenzie - Linda Landry Tory Mussett - Arlene ‘Candy’ Cain/Pool Girl Julian O’Donnell - Peoria Smith Sigrid Thornton - Mrs. Sternwood

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Guillermo del Toro kehrt zu seinen Wurzeln zurück. Man wurde auf den mexikanischen Regisseur aufmerksam, als er Mimic, Blade 2 und Hellboy im Hollywood-Format inszenierte. Ganz auf Aktion aus, und so hatte man seine Filme auch in Erinnerung.

Dort zeigte sich sein Faible für besonders sciencefiction-anmutende Gestalten, die comichaft und seltsam ausgesehen haben. Diese Gestalten bettete er dann meist in einen historischen Kontext ein und vollführte eine temporeiche Erzählung.

Pan’s Labyrinth führt diese Machart fort, dennoch auf ganz andere Weise. Dieser Film erinnert zum Teil an “Die Chroniken von Narnia: Der König von Narnia” -wegen der fantasybezogenen Geschichte mit einer starken jungen Mädchenhauptrolle-, an “Hellboy” -wegen der Gestalten- und an Del Toro’s früheren eher unbekannten aber durchaus sehenswerten Film “El Espinazo del Diablo” -wegen dem historisch eingebetteten Kontext und der parallelen Struktur, die El Espinazo del Diablo und Pan’s Labyrinth aufweisen-. Doch nicht nur zu Filmen nimmt Pan’s Labyrinth Bezug. Aus der Wikipedia ist folgendes von Del Toro zu entnehmen:
“Pan is an original story. Some of my favorite writers (Borges, Blackwood, Machen, Dunsany) have explored the figure of the God Pan and the symbol of the labyrinth. These are things that I find very compelling (remember the labyrinth image on HELLBOY??) and I am trying to mix them and play with them.”

Pan’s Labyrinth ist ganz klar ein Märchen, das auch so, wie man es von den Gebrüdern Grimm kennt, erzählt wird. Und auch die äußerst brutalen Ereignisse, die in so manchen Märchen vorherrschen, lässt Guillermo del Toro nicht außen vor, sondern zeigt sie auch in sehr drastischen Bildern. Erschießungen, Folterungen, Verstümmelungen, Tötungen, Kreaturen usw.. So sei zu empfehlen, trotz des eher harmlosen Titels, Kindern diesen Film lieber nicht zu zeigen.

Was mich positiv gestimmt hat, ist die Geschichte, die einem von Anfang an interessiert und die sich durch die Aufgaben (3) die Ofelia zu verrichten hat und den drum herum findenden Krieg, den noch nicht geborenen Bruder, sowie den fiesen Stiefvater, weiter beschäftigt. Großen Anteil diesen Plot umzusetzen und “wahrheitsgetreu” aussehen zu lassen, haben die Effekte und die visuellen Spielarten - die nicht bombastisch sind, aber zu verstehen geben, in welche Richtung der Film steuert und den Stil Del Toros unterstreichen. Da hat man eine riesengroße Kröte in einem Baumstumpf, allerlei Krabbelgetier, ein Wesen dessen Augen in seinen ellenlangen Krähenhänden Unterschlupf finden, einen Faun mit einem Widdergehörn, eine Libelle der etwas anderen Sorte, die Kriegskämpfereien und und und.

Neben den visuellen Eindrücken sind die schauspielerischen Leistungen hervorzuheben. Ähnlich wie Georgie Henley, die die Lucy aus “Die Chroniken von Narnia, erster Teil” gab, ist auch Ivana Baquero’s Leistung zu bewerten -also sehr gut. Was ein wenig störend ist, ist die Tatsache, dass sich wohl nicht so schnell ein Mädchen dieses Alters den Aufgaben, wie sie im Film gestellt werden, bereiterklärt, ganz ohne Zetern durchzuführen. Aber in gewisser Weise, nimmt die Hauptdarstellerin ein Opfer auf sich, um die Aufgaben zu erfüllen. Auch scheint im Nachhinein (das Ende sei hier erwähnt) die ganze Geschichte Sinn zu machen.

In gewisser Weise ist Pan’s Labyrinth auch eine Familiengeschichte. Ofelia ist zwar der Mittelpunkt des Films, ihr stehen aber andere Personen zur Seite, die ein “abgerundetes” Bild zeichnen. Zunächst ihr Stiefvater, eindrucksvoll und richtig fies von Sergi López gespielt -auf der gegnerischen Seite, und auf der ihren guten Seite, die Mutter Carmen, solide gespielt von Ariadna Gil und dessen Gefährtin Mercedes, die zwischen den Lagern agiert, auch mit soliden schauspielerischen Können von Maribel Verdú verkörpert.

Kritik kann eigentlich nur verübt werden, an der etwas überladenen Geschichte. Manchen Zuschauer kommt es vielleicht zu vielschichtig (oder zuviel) vor. Der nachklingende Bürgerkrieg Spaniens, der Alleingang des Mädchens Ophelia ins Fantasyreich, der Stiefvater und sein dunkles Geheimnis was mit Carmens ehemaligen Mann -sein Kriegskumpan- wirklich passiert ist, Mercedes’ Unterstützung zu ihrem Bruder Pedro (Roger Casamajor) der als Gegner von Capitán Vidal (Sergi López) auftritt und die Geburt Ophelias Bruder. Augenscheinlich sind das viele Geschichten, die trotzdem ineinander greifen und eigentlich zusammenspielen als gegenspielen.

Guillermo del Toro ist zu seinen Wurzeln zurückgekehrt, dahingehend, dass er Pan’s Labyrinth eher einen antihollywoodschen Charakter verleiht, was aus der Tatsache rührt, dass er den Film in Spanien drehte, gleichwohl Facetten und Methoden aus den anderen Produktionen, die in Hollywood entstanden, mittransportierte.

Bewertung 9/10

Originaltitel	… El Laberinto del Fauno
Land, Jahr, Laufzeit	… Spanien/Mexiko/USA, 2006, 112min
deutscher Kinostart	… 15.02.2007
Regisseur	… Guillermo del Toro
Drehbuch	… Guillermo del Toro
Darsteller	Ivana Baquero - Ofelia Sergi López - Capitán Vidal Maribel Verdú - Mercedes Ariadna Gil - Carmen Doug Jones - Faun Álex Angulo - Doktor Roger Casamajor - Pedro

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Bisher ist der Karneval -besonders natürlich in Köln- die heitere Zeit im Jahr. Schnell würde sich ein Regisseur finden, der eine heitere Komödie aus diesem Spaßzirkel macht. Dass es Schattenseiten, ja Abgründe gibt, zeigt auf eindrucksvolle Weise Tom Schreiber.

Die Geschichte um den schüchternen jungen Mann, der noch an seine Großmutter gebunden ist (im positiven Sinne), und ihr Verwandte vorspielt, die schon lange tot sind, nebenbei eine Liebesbeziehung zu Stella aufzubauen versucht, ist schnell erzählt, aber solide. Und am Ende, soviel sei verraten, kommt es sogar zu einer Auflösung der Umstände um die sich drehenden Personen.

Nicht so sehr der Plot vereinnahmt den Film, vielmehr die überzeugenden Experimentaltechniken, wie Kamerarundfahrten in unterschiedlichen Winkeln, Überblendungen, Steadycamverfolgungen, schöne Nahaufnahmen in Totalen, Musikunterlegungen an “richtigen” Stellen und symbolträchtige Bilder -wie zum Beispiel die Feder in der Luft.

Ein geeignetes “Opfer” der Kamera ist Hauptdarsteller Christoph Bach, dem man großes Lob aussprechen muss. Er interpretiert den schüchternen und “ehrlichen” Roman gekonnt. Selten hat ein deutscher Jungschauspieler wieder so eine Ausstrahlung, dass er dem Zuschauer spielend die einzelnen Szenen veranschaulichen und zuteil werden lässt. Man kommt natürlich nicht um die Tatsache herum ihn als jungen Robert de Niro zu titulieren, aber das kann man getrost im Sande verlaufen lassen. Mag sein, dass Ähnlichkeiten bestehen, jedenfalls in den Gesichtszügen, nur spielt Christoph Bach eben keine Hollywood Formate, sondern “ernste” deutsche Filme. Ob in “Detroit” oder den wenig empfehlenswerten Film “Sieben Himmel”. Hier zeigt sich diese immense Ausdruckskraft. Nur Nuancen machen verschiedene Blickwinkel aus, die aber ausreichen den Charakter der Personen wiederzuspiegeln.

Zwar scheint “Narren” in jenem Sinne kein “großer” Film zu sein, aber er muss zu den ausgereiftesten und sehr guten deutschen Filmen gezählt werden.

Bewertung 8/10

Originaltitel	… Narren
Land, Jahr, Laufzeit	… Deutschland, 2003, 93min
deutscher Kinostart	… 11.09.2003
Regisseur	… Tom Schreiber
Drehbuch	… Ingo Haeb
Darsteller	Christoph Bach - Roman Victoria Deutschmann - Stella Hannelore Lübeck - Omma Bützer René Haustein - Zorro Christian Tasche - Roman’s Chef Markus John - Wolf

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keiner vorhanden

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In dieser Episode, auf der ich eigentlich sehr gespannt war, weil sie aus der Kurzgeschichtensammlung Nightmares and Dreamscapes mit zu den besten und mysteriösesten Geschichten zählt, gleichsam auch viel Potenzial zur filmischen Umsetzung gegeben ist, musste man nach der ersten Episode Battleground der TV Mini Serie einen Dämpfer hinnehmen.

Man hat förmlich das Gefühl, dass die Hauptdarsteller versuchen ihr bestes zu geben, aber sie müssen sich ihrer Darbietung und der überaus vorhersehbaren Gangart geschlagen geben. So heil und fast paradiesisch der Anfang beginnt, kann man als Zuschauer nur zu dem einen Schluss kommen, dass es bergab geht. Das trifft auf viele Filme zu, die aber wenigstens die Courage besitzen, den Zuschauer dann noch etwas bieten zu können. Hier ist das leider nicht der Fall. Monster, die man erwartet, bleiben aus, und wenn sie in Erscheinung treten, dann nur in ziemlich plumper Art -was die Special Effekts angeht.

Auch stört die schlechte Kameraführung. Die in manchen Situationen berechtigt erscheint, dann aber wieder übertreibt und nur ein verwirrendes Gefühl hinterlässt. So kann man durchaus -und sogar zwingend notwendig- die Vogelperspektive einsetzen, sowie Close Shots und Zooms, hier ist es trotzdem zu viel des Guten benutzt worden. Ein kleines bisschen -besonders am Ende- fällt auf, dass die Bilder wie damals mit der Camera obscura eingefangen werden und verschiedene Überblendungen, schnelle Schnitte und Kontrastfarben stattfinden, die im Grunde bedrückend wirken und dem Film Dichte verleihen, nur im Endeffekt nicht ausreichen den Zuschauer eine Reaktion abzuverlangen.

Diese Geschichte erschien erstmals in abgedruckter Form in New Tales of the Cthulhu Mythos. Also der Mythos, der besagt, dass es Kreaturen und Monster gibt, die in unserer Welt schlummern (und schon vor unserer Existenz die Erde bewohnten) und die Menschen, die sich dort hin verirren (in deren Gefilden), meist wahnsinnig oder tot enden. Stephen King verwob diese Umstände zu einem Dimensionenplot, wie man auch in dieser Episode deutlich erkennen kann. Dieser Umstand wird zwar wiedergegeben, nur hätte man sich eher vorgestellt (und auch gewünscht), Monster und andere Kreaturen in Aktion zu sehen, die aber nur in Verbindung mit Namen des Cthulhu Mythos angedeutet werden, wenn zum Beispiel Claire Forlani durch das leere Crouch End läuft und verschiedene unaussprechliche Namen (yogsoggoth, R’Yeleh, Nrtesn Nyarlahotep) über den verlassenen Gebäuden liest.

So bleibt diese Episode ein lauer Mysterie-misch-masch mit guten Darstellern, guter Geschichte und schlechter Umsetzung.

Bewertung 4,5/10

Originaltitel	… Crouch End
Land, Jahr, Laufzeit	… USA, 2006, 45min
d. Erstausstrahlung	… 04.08.2008 (Premiere)
Regisseur	… Mark Haber
Drehbuch	… Kim LeMasters, Stephen King (Vorlage)
Darsteller	Eion Bailey - Lonnie Freeman Claire Forlani - Doris Freeman Kenneth Ransom - Taxifahrer

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Der Auftakt zu der in den USA ausgestrahlten Mini TV Serie Nightmares and Dreamscapes ist viel versprechend. In 8 Folgen werden Kurzgeschichten vom Altmeister des Horrors Stephen King verfilmt. Ähnlich wie bei der Masters of Horror Reihe und den Geschichten aus der Gruft muss sich der Regisseur auf das grundlegendste konzentrieren, und trotzdem den Kern der Geschichte nicht aus den Augen verlieren.

Die hier vorgestellte Episode Battleground -zu deutsch Schlachtfeld- ist ganz nach dem Geschmack eines verwöhnten Unterhaltungszuschauers. Und gerade weil in knapp 60 Minuten kein Wort (Dialog) gesprochen wird. Und wieso eigentlich auch, die Geschichte funktioniert bestens und kann auch durch richtig gute Effekte der Plastiksoldaten und deren Gerätschaften glänzen.

Die Effekte wechseln sich ab mit der soliden guten Darstellung von William Hurt. Er vermittelt das Bild eines abgebrühten Killers, ohne Wort und ohne Ausdruck perfekt und wechselt auch schon mal seinen Zustand in schwierigen Situationen. Es grenzt schon beinahe an ein Kammerspiel zwischen den Soldaten (und am Ende, soviel kann man sagen, einen ausgefuchsten Guerilla-Soldaten) und dem Hauptdarsteller.

Wo nicht gesprochen wird, muss hauptsächlich die Musik einsetzen. Auch in diesem Punkt hat man nichts zu bemängeln. Immer wohl dosiert und in den richtigen Momenten eingesetzt.

Auch Stephen Kings Kurzgeschichte -mit selben Titel, allerdings nicht wie man vermuten würde aus Nightmares and Dreamscapes, sondern aus Night Shift- ist werkgetreu umgesetzt und hält den Zuschauer immer bei Laune. Obwohl die Tatsache ziemlich abstrus erscheint, Krieg gegen Spielzeug zu führen, ist diese Episode dennoch eine andere dieses Gebiets. Durch das schwere Gerät zum Beispiel, das auch schon mal im Stande ist, die Hoteltür zu zerbersten und Luftraketen durch die Gegend zu schießen, sowie Hubschrauber zu rekrutieren, kommt es doch alles “realitätsnah” rüber, und nicht wie zum Bespiel bei diversen Chucky-Filmen und Adaptionen.

Diese Episode ist neben anderen Kurzgeschichtenverfilmungen von Stephen King (sowie die so genannten Dollarbabies) eine der besseren und kann durchaus überzeugen.

Bewertung 8,5/10

Originaltitel	… Battleground
Land, Jahr, Laufzeit	… USA, 2006, 54min
d. Erstausstrahlung	… 04.08.2008 (Premiere)
Regisseur	… Brian Henson
Drehbuch	… Richard Christian Matheson, Stephen King (Vorlage)
Darsteller	William Hurt - Jason Renshaw Brad McMurray - Sicherheitsmann Bruce Spence - Hans Morris

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Dieser frühe Film der Coen Brüder -der 5.- ist auf den ersten Blick eine Ohrfeige gegen die Filmwirtschaft Hollywoods, auf den zweiten Blick ein Portrait des “toten Autors”, und auf den dritten Blick eine Tragikomödie mit “tiefen” Ambitionen.

Heute scheinen die Bosse der Filmwirtschaft wenig Einfluss zu haben, mehr der Aktienanteil an der Produktionsfirma ist wichtiger um etwas sagen zu haben. Früher, ja früher, war alles anders. Bosse, waren noch Bosse, und konnten machen was sie wollten: Feuern, einstellen, gängeln, zureden, mal Gott spielen, mal Teufel sein. Das mutet niveaulos autoritär an, und wer kann diese Rolle, eines schwergewichtigen Studiochefs, besser -so jedenfalls mein Eindruck- spielen als Michael Lerner. In der ersten Hälfte des Films kann man einfach -so wie Barton Fink- nur dasitzen und sich anhören, was der Mann da, hinter seinen Schreibtisch ohne auch nur einmal Luft holen zu müssen, zu sagen hat.

r zeigt dem Autor die Türen und auch den Ablauf des Filmgeschäfts, wo anfangs dieser die wichtigste Person ist, und im Verlauf des Films nur ein Sklave seiner eigenen Ketten -die er sich selber angelegt hat, als er die Unterschrift unter dem Vertrag setzte- wird. Glücklicherweise (oder tragischerweise) hat Barton Fink einen Genossen, von dem er so viel als Schriftsteller hält, gleichsam die Enttäuschung hinnehmen muss, dass W.P. Mayhew ein Schatten seiner selbst geworden ist.

Die Coens entwarfen die Figuren Barton Fink und W.P. Mayhew in Anlehnen an Clifford Odets und William Faulkner. Ersterer ist wie Barton Fink mit Neugier, Enthusiasmus und der Aussicht auf das schnelle Geld nach Hollywood gekommen. Letzterer sollte auch einen Wrestling Film schreiben, und wie bei W.P. Mayhew ist er dem Alkohol verfallen. Sinnbildlich ist aber auch für jeden Autor der Hinweis gegeben, seine Seele nicht ganz den Studios zu verkaufen. Denn sonst… schreibt man in der Hölle.

Auch hier geben die Coens den Takt vor und spielen mit Hinweisen, die diese These untermauern. Barton Fink ist zwar in der realen Welt und geht seinen Bedürfnissen nach, sobald er sich aber wieder an die überaus “bedeutsame” Aufgabe setzt, das Drehbuch des Wrestling Films zu schreiben, befindet er sich in der vor gelagerten Hölle. Wenn zum Beispiel der Page und Rezeptionist Chet (Steve Buscemi) am Anfang aus einer Bodenluke (Unterwelt) steigt, um den Hotelgast zu begrüßen, im Fahrstuhl 3 mal die 6 gesprochen wird, die Wände langsam durch die Hitze den Tapetenleim verlieren (und später sogar Feuer fangen), kein anderer Gast auf den Fluren des Hotels zu sehen ist, nur ihre übrig gebliebenen Schuhe und Charlie Meadows die rechte Hand des Teufels in Dergestalt eines Serienkillers ist, der die Seelen erntet.

Zwar kann man diese “Welten” deuten und wie gelesen untermauern, aber muss das nicht das endgültige Resultat dieses Films sein. Eher als symbolträchtige Litfasssäule, um die man herumgehen kann und mal das eine, was man betrachtete links liegen zulassen, und das andere neu aufgreifen. Denn nicht nur die Produktion des Films kritisieren die Coen Brüder auf sarkastische Weise, auch den viel sagenden Titel “Der Tod des Autors” spielt in diese Thematik ein. Das Werk eines Autors ist nicht mehr sein eigen, sondern wird ohne die Macht des Autors interpretiert und gedeutet. Der Autor mutiert zum Nichts und sein Werk ist nichts weiter als der Leser und seine Ansichten. Was kann Barton Fink davon abhalten sein anfängliches Wrestling-Drehbuch -das eigentlich keinerlei Anspruch impliziert- so umzuschreiben, dass es das “beste” ist, was er je geschrieben hat? Eigentlich nichts, aber wird sein Anspruch und sein Talent, das in diesem Drehbuch steckt, sowie die Geschichte, die er erzählt, so gesehen, wie er sie sieht. Nein. Somit ist er als Autor “tot”. Was kann ihn also retten und den Zuschauer gnädig stimmen? Diese Frage beantworten die Coen Brüder auf elegante Art und Weise.

Das Bild, welches über den Schreibtisch im Hotelzimmer hängt (eine Strandschönheit vorm Meer), ist die Flucht aus den Fängen der Eingeschränktheit und kommt am Ende der Katharsis gleich. So ähnlich wie bei “Shining”, als Jack Torrance am Ende auf dem Foto zu sehen ist und fröhlich wirkt, obwohl schreckliche Taten vorausgegangen waren, wird bei Barton Fink der Zuschauer durch die immanente Aussage des Fotos angehalten, die Situation am Meer als bereinigt und als “Happy End” anzusehen, auch wenn Barton Fink ein großes Fragezeichen bleibt, wenn er zweimal sagt: “I don’t know.” Da stört auch wenig, dass es zuvor Tote gab, ein grandioses Drehbuch, das wahrscheinlich im Kamin endet, und die Amerikaner in den 2. Weltkrieg eingreifen.

Doch der Film und die beste Geschichte können nicht sein, ohne seine Schauspieler. Barton Fink, wird grandios verkörpert von John Turturro. Eigentlich lernt der Zuschauer ihn schüchtern kennen und muss ihn wohl oder übel als weiteren langweiligen Schreiberling abtun. Aber in verschieden Szenen wird er eines besseren belehrt. Geht es um die Literatur, um das Theater, um das Schaffen des Autors, fängt Barton Fink Feuer und John Turturro erblüht, ja explodiert förmlich in seinen schauspielerischen Möglichkeiten. Geht es dann eher ruhig zu, kommt John Goodman als der unterhaltsamere daher. Und immer hat man das Gefühl, das niemals eine Minute vergeht, wo sich die Beiden nicht ergänzen. Die Dialoge sind wohl ausgearbeitet und funktionieren tadellos. Obwohl einige Geschichten ineinander verwoben sind und wie bei David Lynch (auch wenn ich keineswegs diesen Film mit den lynschen Filmen vergleichen will) nicht bis ins kleinste Detail aufzuschlüsseln sind, kann der Film durchaus zum Meilenstein des Schaffens der Coen Brüder gezählt werden.

Bewertung 9,5/10

Originaltitel	… Barton Fink
Land, Jahr, Laufzeit	… USA/UK, 1991, 116min
deutscher Kinostart	… 10.10.1991
Regisseur	… Joel Coen
Drehbuch	… Joel Coen, Ethan Coen
Darsteller	John Turturro - Barton Fink John Goodman - Charlie Meadows Judy Davis - Audrey Taylor Michael Lerner - Jack Lipnick John Mahoney - W.P. Mayhew Tony Shalhoub - Ben Geisler Jon Polito - Lou Breeze Steve Buscemi - Chet

© der Bilder bei Verleih -und/oder Produktionsfirma

Online-Filmdatenbank (deutsch)
Internet Movie Database (englisch)
Wikipedia Eintrag (deutsch)
DVD via Online-Filmdatenbank (deutsch)

Im Stande das Gesehene zu verarbeiten!

Inmitten der gesamten Spielfilmlänge wartet der Zuschauer vergebens auf eine Reaktion des Films. Denn in “Hotel” passiert so gut wie gar nichts. Nun könnte man den Film “Für Anspruchsvolle” deklarieren, was aber nicht zutreffend ist, weil schon aus der Tatsache heraus, dass dies ein Psychothriller ist, Vorsicht geboten werden sollte:

David Lynch’s Werke sind gleichsam Psychothriller wie psychologisch-stilistisch ausgearbeitete Mysterie -und Philosophiethemen. Was aber zu beobachten ist, ist ein Moment des Kurzschließens an den Zuschauer, der mal gepeinigt, mal erregt wird. So will vermutlich Jessica Hausner ihren Film gern aufgefasst bekommen, aber hier fehlt komplett der Moment des Kurzschließens.

Die Mittel, die zur Verfügung gestanden hätten, lässt die Regisseurin außer Acht und gibt nichts weiter als den Einblick ins wenig spannende Hotelarbeitsleben. Vielleicht kommt der Gedanke an Genrehochgrößen wie “Shining” von Stanley Kubrick oder “The Blair Witch Projekt” auf, der aber fallengelassen werden kann, weil zwar Anzeichen beziehungsweise Vorraussetzungen (abgelegenes Hotel, dunkler Wald, mysteriöse Vorgeschichte) bestehen, die aber ohne Folgen für die Hauptdarstellerin sowie für den Zuschauer sind.

Auch bleibt die Intention verborgen. Sollte man lieber nicht nachts in den Wald gehen, und dazu noch allein? Sollte man die Anstellung in einem Hotel ausschlagen, weil man da allein sein könnte? Stupide hören sich diese Deutungen an, die einen aber anders nicht in den Sinn zu kommen scheinen. Vielleicht wollte die Regisseurin das Einsiedlertum einer jungen Frau zeigen, die schon daran zerbricht ein Hotel halbwegs im Auge zu behalten; oder die Gottgläubigkeit (beziehungsweise Christlichkeit), die einen in Extremsituationen eh’ nicht hilft; oder den Sog eines Gebäudes, der auf einen ausgeübt werden kann. All diese mehr oder minder fruchtbaren Gedanken sind nicht zu vermeiden. Und daran scheitert wohl auch der Film:

Er kann keinem bestimmten Genre(-parametern) zugeordnet werden. Meiner Meinung nach, muss ein Film (auch wenn er noch so abstrus und abwegig ist) wenigstens eine Richtung vorgeben, die entweder im Nachhinein ins Extreme endet oder im Umkehrschluss. Hier wären wieder die Filme von David Lynch zu nennen, die diese Gangart(en) sehr wohl besitzen.

Als letzten Anker könnte man sich als Bezugs -und Richtungspunkt die Hauptdarstellerin nehmen. Die es aber (allein) nicht schafft den Film zu retten. Auch bedarf es ihrerseits wenig Schauspiel um die Rolle zu spielen. Meistens ausdruckslos und wohl diszipliniert gibt sie sich. Was am Anfang des Films zum Rest der Ausstattung und Enterieur zu passen scheint, und den Zuschauer ein ungutes Gefühl injekziert, stumpft nach der Zeit ab und zerfällt in seine Bestandteile.

Als einzige (wertvolle) Pluspunkte, die auch maßgeblich die Atmosphäre ausmachen, wären die Ausstattung und Kameraführung zu nennen. Leider verliert sich auch dieser Aspekt in der schlechten Geschichte und wird somit konterkariert.

Um auf die am Anfang gemachten Andeutungen zurückzukommen. Vorhänge, dunkle Gänge, Kellerräumlichkeiten, abendliche Schwimmbäder, dichtstämmiger dunkler Wald, Totale von Kopfrückansichten usw. Im letzten Drittel des Films werden fast alle aufgelöst und bringen gleichzeitig Normalität und Spannungslosigkeit ins Spiel. Demnach bleibt alles wohlgeformt und gibt sich nicht weiter, als die geordneten Schlüssel in der Rezeption.

Bewertung 4/10

Originaltitel	… Hotel
Land, Jahr, Laufzeit	… D/Österreich, 2004, 76min
deutscher Kinostart	… 22.06.2006
Regisseur	… Jessica Hausner
Drehbuch	… Jessica Hausner
Darsteller	Franziska Weiss - Irene Birgit Minichmayr - Petra Marlene Streeruwitz - Frau Maschek Rosa Waissnix - Frau Liebig Christopher Schärf - Erik Peter Strauß - Herr Kross

© der Bilder bei Verleih -und/oder Produktionsfirma

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